Edicole Grevi in 2138!

Ornamentations, KOSMOS and Johann Sebastian Bach

These few lines of accompaniment to Diego Leveric’s last recording will not talk about music, it is almost always useless to talk about music that finds its main if not unique place in the listening and not in its narration, being the narration of what we are going to listen to a vacuous exercise in rhetoric, but anyway of cosmos, Bach and lute something must be said. In Greek “kósmos” means order, and in the music that Leveric offers us in this recording you can feel the ferocious search, at times spasmodic, for an order that makes it possible to be immediately forgotten in order to face the Leipzig colossus with an expressive and interpretative freedom that may seem, perhaps, superficially unbridled and anarchic but that obeys a work of excavation and dissection of the score that we feel very deep, a work that has allowed Leveric to return these pieces to us without the haste of precipitation or the fear of slowness, configuring a marked, sensual interpretation, introducing a series of ornamentations chosen with great courage and personality, helping to make evident what should be the polar star of every performative act, whether musical or not, the joy and pleasure of doing so, joy and pleasure that exude from every single note contained in this record. Why talk so much about ornamentation? Because they are one of the main figures underlying the idea of this project: ornamentations are groups of notes, precisely ornamental, which are inserted in the melodic line with a function not structural but of embellishment, of decoration of the melodic ductus, in this case that of Bach. It takes courage, technical self-sacrifice and respect for the original, which cannot however be a rigid observation only of what is written but which must be nourished by a new light, a Gesamtüberblick, an overall vision of what is about to be performed, without going along the old and obvious path of the philologically perfect but already worn-out rendering: Leveric chooses the path of the not yet heard instead of the sterile repetition of what has already been done. For Bach himself counterpoint was the kingdom of freedom, the “source of seduction” as one of his most acclaimed scholars, Roland de Candè, had written: the gallant style was considered by Bach too naked, poor in emotion, hence the need to abandon himself to counterpoint, to the note that flees from itself and that in a continuous cross-reference, in a play of mirrors of tones and harmonies introduces a powerful breath of air on a score that previously appeared flat and motionless. The same freedom is what Diego Leveric has chosen in rewriting with his lute the music contained in this record, a bold proposal, a challenge with himself and the listeners: a single instrument, a lute, which in these interpretations shows a round, sumptuous, enveloping timbre, which denotes the great technical-instrumental work done to reach these levels (usually the great technical ease, the natural ability to overcome instrumental daring with a certain amount of innate talent pushes the performer to guard the trite piece of the late nineteenth century virtuoso, many quick notes to amaze the audience, in a sort of perverse circus effect, well in this case no, the technique is absolutely ancillary and gregarious of expressiveness) and the cleaning up of a series of performing stereotypes that usually tend to hinge on the philologically correct repetition of the pieces. The G minor suite for lute BWV 995, identical to Bach’s fifth suite for cello (BWV 1010), finds, therefore, almost unexpectedly new expressive and enjoyable lymph in this version. The term “enjoyable” has not been chosen at random, as nothing is left to chance in the execution of the suite, famous, which, like a good part of Bach’s repertoire, bears the stigma of the already heard, the already seen, the already enjoyed. Well, in this performance we find almost nothing that is not new and that flows in the wide range of interpretative originality. Leveric had before him two paths, already traced out by others: the first is that of the technically perfect but anodyne performance, a catalogue unrolled with a perceptible, underlying boredom, of technical skill and expressive convenience, the second is that of gambling and extra-ordinary exegesis to be dropped here and there during the course of the performance, grasping the risk of the interpretative nuance to be immediately brought back into the consolidated canon of Baroque philology. Well, neither of these two paths is chosen; after the first three, four notes, Leveric takes off and begins its rereading made of a warm and mellow sound, of a technical skill that forgets itself and becomes pure expression, of a freshness that starts from the very first notes of the Prelude and arrives at a Presto that cannot but evoke dance movements, the arts that imperiously feel the need to move. When you arrive at the Sarabande you stop, as you would normally do in front of a cliff, in this case not to avoid falling into it but to be able to see better what is at the bottom of the cliff: it is a Sarabande of an almost physical compactness, they are ropes that snap and are touched with an authoritativeness that does not accept compromises, that becomes pure Essence, Wesen in its almost Heideggerian meaning. Why bother Heidegger for a lutenist who plays Bach? Because in this interpretation Diego Leveric, perhaps unconsciously, in the dozens of embellishments that he inserts in the two performances, is not looking for the beautiful performance, the beautiful sound, the perfect technique, but for a musical and human TRUTH that transpires, powerful, in every part of the suite, a truth that in this case is not a value that can be grasped and then put on the bedside table of the acquired certainties but a process in which man puts all of himself at stake accepting the risk of failure. In this case failure does not come, the answer comes loud and chiselled by Leveric’s lute, which embarks on his very personal and highly appreciable management of the full and empty, of the single note and the bunches of notes that stand out with an almost harpsichordly clarity, and launches with immense respect for the original source, which is however balanced by his strong personality as a performer in a series of ornamentations that are a counterpoint in the counterpoint, which do not distort the musical dictation which is fully respected in all its dynamics but which are at the highest point of the exegesis of the musical text, interpreting with overwhelming personality Bach but never betraying him. There is a very strong love for his music in this record, there is a karstic flow made of great energy and an unrolling of meaning that only those who have the courage to take great risks can grasp: Diego Leveric went in front of the statue of Bach in Leipzig, in front of the Thomaskirche, he looked at it with due reverence and then, calmly, little by little, he removed some of the dust that had settled all these years. The result is this record, in which you won’t find a single grain of dust but a lot of bright, fresh, intense music. Attributing opinions to the dead ones is always dangerous as well as useless but in this case we feel like writing it, Bach would have been happy about it. If you love asking complex questions, this record can help you find the answers you are looking for.Igor Daniele Ebuli Poletti


Ornamentazioni, Cosmo e Johann Sebastian Bach

Queste poche righe di accompagnamento all’ultimo lavoro discografico di Diego Leveric non parleranno di musica, è quasi sempre inutile parlare di musica che trova la sua collocazione principale se non unica nell’ascolto e non nel racconto, essendo la narrazione di ciò che stiamo per ascoltare un vacuo esercizio di retorica, ma di cosmo, di Bach e di liuto qualcosa deve essere detto. In greco kósmos significa ordine, e nelle musiche che ci offre Leveric in questa incisione si avverte la ricerca ferrea, a tratti spasmodica, di un ordine che renda possibile essere subito dimenticato per affrontare il colosso di Lipsia con una libertà espressiva e interpretativa che può sembrare, forse, superficialmente sfrenata e anarchica ma che obbedisce a un lavoro di scavo e di sezionamento della partitura che avvertiamo profondissimo, un lavoro che ha permesso a Leveric di restituirci queste brani senza l’affanno della precipitazione o la paura della lentezza, configurando una interpretazione marcata, sensuale, introducendo una serie di ornamentazioni scelte con grande coraggio e personalità, contribuendo a rendere evidente quella che dovrebbe essere la stella polare di ogni atto performativo, sia esso musicale o meno, la gioia e il piacere di farlo, gioia e piacere che trasudano da ogni singola nota contenuta in questo disco.

Perché parlare tanto di ornamentazioni? Perché sono una delle figure principali che sono sottese all’idea di questo progetto: le ornamentazioni sono gruppi di note, appunto ornamentali, che vengono inserite nella linea melodica con una funzione non strutturale ma di abbellimento, di decorazione del ductus melodico, in questo caso quello di Bach. Ci vuole coraggio, abnegazione tecnica e rispetto dell’originale che non può però essere una rigida osservazione solo di quello che c’è scritto ma che deve nutrirsi di una luce nuova, di una Gesamtüberblick, una visione complessiva di quello che si sta per andare a eseguire, senza percorrere la vetusta e scontata via della resa filologicamente perfetta ma già usurata: Leveric sceglie la strada del non ancora sentito al posto di quella della ripetizione sterile del già fatto. Per Bach stesso il contrappunto era il regno della libertà, la “fonte della seduzione” come aveva scritto uno dei suoi più acclamati studiosi, Roland de Candè: lo stile galante era considerato da Bach troppo nudo, povero di emozioni, da qui la necessità di abbandonarsi al contrappunto, alla nota che fugge da sé stessa e che in un continuo rimando, in un gioco di specchi di toni e armonie introduce una ventata poderosa di aria su una partitura che prima appariva piatta e immota. La stessa libertà è quella che ha scelto Diego Leveric nel riscrivere col suo liuto le musiche contenute in questo disco, una proposta audace, una sfida con sé stesso e con gli ascoltatori: un solo strumento, un liuto, che in queste interpretazioni sfoggia un timbro rotondo, sontuoso, avvolgente, il che denota il grande lavoro tecnico-strumentale fatto per arrivare a questi livelli (solitamente la grande facilità tecnica, la naturale capacità di superare ardimenti strumentali con una certa dose di talento innato spinge l’esecutore a presidiare il trito tassello del virtuoso di fine ottocento, tante note veloci per stupire il pubblico, in una sorta di perverso effetto circense, ebbene in questo caso no, la tecnica è assolutamente ancillare e gregaria dell’espressività) e la ripulitura di una serie di stereotipie esecutive che di solito tendono a incardinarsi sulla ripetizione filologicamente corretta dei brani. book.indd 3 20/08/20

La suite in sol minore per liuto BWV 995, identica alla quinta suite per violoncello (BWV 1010) di Bach trova, quindi, in modo quasi inatteso nuova linfa espressiva e godibilità in questa versione. Il termine godibile non è stato scelto a caso, come nulla è lasciato al caso nella esecuzione della suite, celeberrima, che sconta come buona parte del repertorio bachiano lo stigma del già sentito, del già visto, del già goduto. Ebbene in questa esecuzione non troviamo quasi niente che non sia nuovo e che scorra nell’ampio alveo della originalità interpretativa. Leveric aveva davanti a sé due strade, già tracciate da altri: la prima quella della esecuzione tecnicamente perfetta ma anodina, un catalogo srotolato con una percettibile, sottostante noia, di perizia tecnica e convenienza espressiva, la seconda quella dell’azzardo e della esegesi extra-ordinaria da fare cadere qua e là nel corso della esecuzione, afferrando al volo il rischio della nuance interpretativa da ricondurre subito nel canone, consolidato, della filologia barocca. Ebbene, nessuna di queste due strade viene scelta; dopo le prime tre, quattro note Leveric scollina e comincia la sua rilettura fatta di un suono caldo e pastoso, di una perizia tecnica che si dimentica di sé stessa e diventa pura espressione, di una freschezza che comincia dalle primissime note del Preludio per arrivare a un Presto che non può non evocare dei movimenti di danza, degli arti che avvertono imperioso il bisogno di muoversi. Arrivati alla Sarabanda ci si ferma, come si sarebbe solito fare davanti a un dirupo, in questo caso non per evitare di caderci dentro ma per poter vedere meglio cosa c’è in fondo al dirupo: è una Sarabanda di una compattezza quasi fisica, sono corde che scattano e vengono sfiorate con una autorevolezza che non accetta compromessi, che diventa pura Essenza, Wesen nella sua accezione quasi heideggeriana. Perché scomodare Heidegger per un liutista che suona Bach? Perché in questa interpretazione Diego Leveric, forse inconsciamente, nelle decine di abbellimenti che inserisce nelle due esecuzioni, non è alla ricerca della bella esecuzione, del bel suono, della tecnica perfetta, ma di una VERITA’ musicale e umana che traspare, potente, in ogni parte della suite, una verità che in questo caso non è un valore che può essere afferrato e poi messo sul comodino delle certezze acquisite ma un processo in cui l’uomo mette in gioco tutto sé stesso accettando il rischio di fallire. In questo caso il fallimento non arriva, la risposta arriva forte e cesellata dal liuto di Leveric, che si imbarca in una sua personalissima e altamente apprezzabile gestione dei pieni e dei vuoti, della nota singola e dei grappoli di note che si stagliano con una nettezza quasi clavicembalistica, e si lancia con un rispetto immenso della fonte originaria che viene però bilanciato dalla sua forte personalità di esecutore in una serie di ornamentazioni che sono un contrappunto nel contrappunto, che non stravolgono il dettato musicale che viene pienamente rispettato in tutte le sue dinamiche ma che si situano nel punto più alto della esegesi del testo musicale, interpretando con soverchiante personalità Bach ma non tradendolo mai. C’è un fortissimo amore per la sua musica in questo disco, c’è uno scorrere carsico fatto di grande energia e di uno srotolamento di senso che solo chi ha il coraggio di prendersi grandi rischi riesce ad afferrare: Diego Leveric è andato davanti alla statua di Bach a Lipsia, di fronte alla Thomaskirche, l’ha guardata con la dovuta reverenza e poi, con calma, poco per volta, le ha tolto un po’ della polvere che si era depositata in tutti questi anni. Il risultato è questo disco, nel quale non troverete un solo granello di polvere ma tanta musica lucente, fresca, intensa. Attribuire opinioni ai morti è sempre pericoloso oltre che inutile ma in questo caso ci sentiamo di scriverlo, Bach ne sarebbe stato contento. Se amate farvi domande complesse, questo disco può aiutarvi a trovare le risposte che cercate.

Igor Daniele Ebuli Poletti